miércoles, 20 de mayo de 2015

El otro (yo). Y el otro yo

> Conceptos

Espacio número 1. Deconstrucción. Trabajo Superador. La problematización de la persona. Facebook y los retratos. La democratizacion de los dispositivos. Ahora todos podemos ser fotógrafos. Vos, no estas sola/o. Es una lectura. La fotografía no hace absolutamente nada. Encontremos el lugar de lo indecible, y descubramos aquello que no podemos comunicar con las palabras. La propia identidad. Somos como fuimos mirados. Ser retratado para ser recordado, lo único que va a quedar son imágenes nuestras. La idea de trascender la muerte.

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Durante la teórica se presentó el nuevo tema a trabajar: el retrato. Este término abraza una serie de cuestiones y problemáticas como la del conocimiento, del ser, de la percepción y el sentir humano. Se ponen en juego muchos asuntos de gran complejidad a tener en cuenta. El retrato implica la aparición de un otro en el mundo, ahora somos conscientes de la existencia de un ser en el lugar y la relación que éste tiene con el sitio en función del mismo. El retrato en su estado concreto implica ser conscientes de un lugar, un fotógrafo, una cámara (en este caso) y el otro (modelo, actor, persona x, etc). Además, es necesario tener una intención por sobre la persona fotografiada que puede ser representada de infinitas maneras. 

En la charla se dieron a conocer diversos fotógrafos relacionados con el mundo del retrato en los siglos pasados, y a continuación se muestra la historia de cada uno de ellos contada según los sucesos ocurridos en su vida, sus intenciones, contexto histórico, ideología y mas que nada, su mirada.


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Lewis Carroll


“I can't go back to yesterday because I was a different person then.” 
Lewis Carroll

Charles Lutwidge Dodgson, más conocido como Lewis Carroll, fue un diácono anglicano, lógico, matemático, fotógrafo, y escritor británico. Sus obras mas conocidas son Alicia en el país de las maravillas y Alicia a través del espejo.
En 1856 descubrió la fotografía gracias a su tío Skeffington Ludwidge. Así es como rápidamente alcanzcó la perfección en este arte y la convirtió en expresión de su filosofía interior: la creencia en la divinidad de lo que el llamaba belleza, que para el significaba un estado de perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimientos de culpa. En su mediana edad, esta visión de la belleza se transformo como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida. Algo mas de la mitad de su obra conservada esta dedicada a retratar a niñas. La niña que mas veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin, a la que fotografió mas de 50 veces desde que tenía 4 años hasta que cumplió 16. En 1880 trató de fotografiarla en traje de baño pero no se le permitió. Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson hacía llevaba a pensar que tenía tendencias pedófilas, aunque en realidad varios argumentan que en la época victoriana, la aparición de las niñas desnudas era visto como algo totalmente normal ya que era visto como un símbolo de inocencia y era necesario contextualizar sus trabajos.
                                                                                                   
Portrait of Edith (left), Lorina (center) and Alice (right) Liddell.1860

Portrait of Alice Liddell. 1858.

Portrait of Alice Liddell. 1859.

Portrait of Irene MacDonalds. 1863.


Alexandra Kitchin

Portrait of Alexander Munro & wife (left) Portrait of Arthur Junior Hughes (right).




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Julia Margaret Cameron



"The capacity for delight is the gift of paying attention".


Fue una fotógrafa inglesa que se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academicista.
Se cree que fue instruida por Lewis Carroll y Oscar Justav Rejlander. En 1863, Rejlander fue a la Isla de Wight a fotografiar al vecino Tennyson y parecer ser que Cameron aprendíó las técnicas básica de él. La literatura, el renacimiento, la pintura Pre-Rafaelita y la Biblia influenciaron en su obra. En una carta escribió: "mis aspiraciones son ennoblecer la fotografía y alzarla a la categoría de are, combinando la realidad con la poesía y la belleza ideal". Creía que la fotografía era forma para resucitar el arte sacro, para los victorianos el arte era una técnica, el arte fino era expresión pero no necesariamente ético, pero el arte alto era el arte sacro. Utilizaba su casa como estudio. Repetía las copias una y otra vez, hasta que se sentía satisfecha del resultado. Jamás retocaba o ampliaba sus negativos. Trabajaba convertida en una ermita de su profesión descuidada al vestir, sucia en su propio trabajo (sus negativos llevan manchas y huellas dactilares) y apasionada en sus creaciones. La personalidad de Cameron es una mezcla de excentricidad, genio instinto e inspiración. En sus retratos consigue captar la fuerza expresiva de sus modelos, con tanta maestría como podría hacerlo un pintor. realzaba exposiciones de 7 segundos en placas de 20x40cm. 
Su meta era reproducir la grandeza del hombre interior al mismo tiempo que los rasgos del hombre exterior, lográndolo como se aprecia en su "retrato del Sir John Herschel". El cuerpo es reducido a casi solo la cabeza, sin ninguna tipo de referencia externa, la cabeza se convierte en un icono que implica inteligencia, individualismo y por encima de todo genialidad. En cambio, sus retratos femeninos resaltan la belleza, el ideal de belleza del Renacimiento, a veces con ayuda de complemento como las alas de la fotografía "I Wait" que nos evocan a las pinturas de ángeles del renacimiento. 


Sir. John Herschel
Elaine, 1874

A study, 1865-66


Ellen Terry, at the age of sixteen, 1864

Enid, 1874


Woman in Robes Reading a Book, 1870
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Edward Weston



"Love is like art - something always ahead, never quite attained".
Edward Weston

Nació el 24 de marzo de 1886 en Highland Park. Se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18x24cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes. Fue uno de los fotógrafos mas importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64. Desde edad temprana destacó su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro, aunque en sus comienzos se encuadraba en el pictorialismo. En los años veinte evolucionó hacia una fotografía mas abstracta. En 1927 ya empieza a emplear una gran profundidad de campo y un alto nivel de enfoque en las escenas de paisajes y en sus retratos y de modo especial en los primeros planos de formas naturales pocos usuales.

Dunes, Oceano, 1936.

Edward Weston- From 515 Madison Avenue, New York, 1941

Edward Weston- Hills and Poles, Solano County, 1937

Edward Weston- Mammy’s Cupboard, Natchez, Mississippi, 1941

Edward Weston- Meraux Plantation House, Louisiana, 1941

Edward Weston- Near Neshanic, New Jersey, 1941

Edward Weston- Nude, 1925 
Edward Weston- Shell, 1927


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Alexandr Ródchenko


"Si se desea enseñar al ojo humano a ver de una forma nueva, es necesario mostrarle los objetos cotidianos y familiares bajo perspectivas y ángulos totalmente inesperados y en situaciones inesperadas; los objetos nuevos deberían ser fotografiados desde diferentes ángulos, para ofrecer una representación completa del objeto".
Alexandr Rodchenko

Nació en San Petersburgo el 5 de diciembre de 1891. Fue un escultor, pintor, diseñador gráfico y fotógrafo ruso catalogado como uno de los artistas polifacéticos mas importantes de los años veinte y treinta. Fue fundador del constructivismo ruso.
De 1918 a 1921, creaba series de premisas formales, como la superficie plana, la factura, la línea, la mancha. Se hace famoso en los debates artísticos, de donde surge el Movimiento Constructivista, el artista se convierte en un ingeniero visual. Exploró el fotomontaje para el diseño de carteles y cubiertas de libros. Lo usó como una alternativa a la pintura y que se beneficiaba de su reproducción automática que le hacía tener una audiencia masiva. Fue en 1924, al emplear materiales cada vez mas peculiares para sus fotomontajes cuando recurrió al empleo de la cámara fotográfica.
Dedujo que la fotografía correspondía a la actividad del ojo humano, De esta manera usó la cámara fotográfica para crear sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las fotografías con un objetivo de compromiso social. Las fotografías solían ser o planos cenitales o planos nadir, planos opuestos totalmente al pictorialismo y que impactaban al espectador, causándole dificultades en reconocer el objeto fotografiado. Así es como indagando en este aspecto se convirtió en uno de los mas importantes pioneros del constructivismo fotográfico.


athering for the demonstration in the courtyard of the VChUTEMAS

Balconies 1925


Chauffeur 1933

Courtyard on Myasnicka-Street 1928

On the telephone 1928

Pioneer 1930 

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Man Ray


"La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte"
Man Ray

Nació en Filadelfia, el 27 de agosto de 1890. Fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París. Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista.
En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poetisa belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York de 1915. Funda junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el movimiento dado neoyorquino. 
En 1921 se instala en París, hasta 1940. Allí se centraliza en el Dadá parisino, aunque después vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficos sacas sin cámara. Hace también retratos, se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de ola cultura. Cuando el surrealismo se separa del Dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París. En los años treinta realiza la serie de polarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte a comienza a realizar películas de vanguardia.
Como pionero del dadá y surregalismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo.

Man Ray- Ady with hoops, 1937


Man Ray- Aurelien, 1944


Man Ray- Ava Gardner, 1950 

Man Ray- Dress of Madeleine Vionnet, wheelbarrow by Oscar Dominguez, 1937



Man Ray- Facile (Easy) , 1935



Man Ray- Glass tears, 1932


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August Sander

"I never made a person look bad. They do that themselves. The portrait is your mirror. It’s you."  August Sander 
Nació en Herdorf, Alemania, el 17 de noviembre de 1876 y es conocido por haber sido un fótografo alemán. El trabajo de Sander incluye fotografóias de paisajes, naturaleza, arquitectura, y fotografías de la calle, pero es especialmente famoso por su retratos, como lo demuestra la serie de Hombres del siglo XX.En esta serie trata de ofrecer un catálogo de la sociedad alemana durante la República de Weimar. La serie se divide en siete secciones: Campesinos, comerciantes, mujeres, clases y profesiones, artistas,la ciudad y el pasado (los sin hogar, veteranos de guerra).

August Sander- Bricklayer, 1928

August Sander- Child, Westerwald, 1926 - 1927

August Sander- Circus artiste, 1930

August Sander- Circus Artists, 1930.

August Sander- Country Girls, 1925  

August Sander- Courtyard Musicians, 1928

August Sander- Farm Children- 192

August Sander- Member of a Nuremberg Student Corps, 1928


August Sander- Member of Parliament, Democrat, 1927


August Sander- Middle Class Children, 1925.



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Yousuf Karsh



"Character, like a photograph, develops in darkness".
Yousuf Karsh

Nació en Mardín, Turquía (ex Armenia) en 1908. A los 14 años huyen de la persecución armenia hacia Siria para encontrar refugio, y dos años mas tarde emigran a Sherbrooke, en la provincia de Quebec, Canada y allí vivió con un tío fotógrafo. Posteriormente Karsh abrió un estudio cerca de la sede del Gobierno. Así es como fue casualmente descubierto por el Primer Ministro canadiense Mackenzie King que lo introduce en el ambiente político, encargándole retratos de dignatarios extranjeros en visita oficial. Asó es como obtiene una discreta notoriedad y mas aún en 1941 cuando retrata de Winston Churchill, Primer Ministro Británico. Ha fotografiado a muchos personajes famosos del siglo XX: Alberto Moravia, Albert Einstein, Andy Warhol, Dwight Eisenhower, Ernest Heminghway, Fidel Castro, Frank Lloyd Wright, Hellen Keller, Humphrey Bogart, John F. Kennedy, Muhammad Ali, Pablo Casals, Pablo Picasso, Grace Kelly y Robert Frost entre muchos otros.

Yousuf Karsh- Albert Einstein, 1948 
Yousuf Karsh- Alfred Hitchcock, 1960 

Yousuf Karsh- Andy Warhol, 1979

Yousuf Karsh- Anita Ekberg, 1956


Yousuf Karsh- Brigitte Bardot, 1958 

Yousuf Karsh- Jacqueline Kennedy, 1957

Yousuf Karsh- Joan Miró, 1965

Yousuf Karsh- Pablo Picasso, 1954

Yousuf Karsh- Walt Disney, 1956

Yousuf Karsh- Winston Churchill, 1941



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Arnold Newman 



"Influencias vienen de todas partes, pero los disparos salen principalmente por instinto. ¿Cuál es el instinto? Es toda una vida de acumulación de influencias: la experiencia, los conocimientos, ver y escuchar. Hay poco tiempo para la reflexionar en la toma de una fotografía"
Arnold Newman

Nació en Nueva York, el 3 de marzo de 1918. Fue un fotógrafo estadounidense conocido por sus retratos de artistas.
Una característica de sus retratos es el empleo de elementos u objetos que se relacionan con los intereses o la profesión del personaje fotografiado. Su estilo se lo ha conocido como "retrato ambiental" y Newman comienzo a perfilarlo en los retratos de 1942 de George Grosz y de Yasuo Kuniyoshi. En sus retratos presenta una cuidados composición, acostumbra emplear perspectivas formales y les dota con cierta profundidad psicológica. Realizó retratos a gran cantidad de artistas y personajes famosos, entre ellos se encuentran: Marcel Duchamp y Piet Mondrian con retratos de 1942, Igor Stravinsky que es uno de sus retratos mas conocidos. Después también aparecen figuras como Dwight Eisenhower, Salvador Dali, Pablo Picasso, Haile Selassie, Bob Moses, Marilyn Monroe, Alfred Krupp, Francisco Franco, Henry Miller, Truman Capote, Ronald Reagan, Paul Auster y Woody Allen. 

General Dwight D. Eisenhower New York, 1950General Dwight D. Eisenhower New York, 1950 
Haile Selassie Addis Ababa, 1958

Pablo Picasso Cannes, 1956

President Lyndon B. Johnson Washington, 1963

Robert Moses New York, 1959

Woody Allen New York, 1996


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Diane Arbus



I really love what you can’t see in a photograph. An actual physical darkness. And it’s very thrilling for me to see darkness again.
Diane Arbus

Nació en Nueva York, el 14 de marzo de 1923 y fue una fotógrafa estadounidense. Es hermana del poeta Howard Nemerov. A los 14 años comienza su relación con Allan Arbus, con quien se casa cumplidos los 18 años. En los años cuarenta, se dedican a la fotografía de modas. Entre 1955 y 1957, se  divorcian. 
La década del 60 fue la mas productiva. recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentra enanos, nudistas y prostitutas. Diane Arbus eligió a personas marginales para sus fotografías: gemelos, enfermos mentales, gigantes, familias disfuncionales, fenómenos de circo, etc. Los personajes miraban directamente a la cámara, lo que hace que el flash revele sus defectos. Su intención era producir en el espectador temor y vergüenza. Fue pionera del flash de relleno. La fotografía de Diane representa lo normal como monstruoso: cuando fotografía el dolor, lo encuentra en personas normales. Provoca que la gente presuntamente normal aparezca como anormal. Rompe la composición, sitúa al personaje en el centro. Su mirada siempre es directa, con tensión y fuerza.
Para ella no existe el momento decisivo, trabaja en continuo espacio temporal y obliga a los retratados a que sean conscientes de que están siendo retratados. En fin, busca una mirada nueva, pasando del tedio a la fascinación.

Diane Arbus- Girl in shiny dress, 1967  

Diane Arbus- Identical Twins, Roselle, New Jersey, 1967. 
Diane Arbus- Retired man and his wife at home in a nudist camp one morning, New Jersey, 1963

Diane Arbus- A young man with curlers at home on West 20th Street, NY, 1966

Diane Arbus- Teenage couple on Hudson Street, NY, 1963


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Richard Avedon


"My portraits are more about me than they are about the people I photograph"
Richard Avedon

Nació en Nueva York, el 15 de mayo de 1932 y fue un fotógrafo estadounidense. Fue el fotógrafo de la moda durante los años 1969 y 1970 En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentrode escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En los años 1960, Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marily Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivos, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad mas sincera.
En el año 1979, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día al aire libre como siempre, ante un fondo blanco. 
El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte como nos habla directamente del paso del tiempo su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud.

Richard Avedon- Aldous Huxley, Writer, New York City, 1956  

Richard Avedon- Bob Dylan, 1963

Richard Avedon- Bob Dylan, 1965

Richard Avedon- Brigitte Bardot, 1959

Richard Avedon- Carmen (Homage to Munkasci), Coat by Cardin, Place François-Premier, Paris, August 1957  

Richard Avedon- Janis Joplin, 1969

Richard Avedon- Joan Baez, 1965


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Robert Mapplethorpe


"No me gusta esa palabra, "impactante". Yo busco lo inesperado. Busco cosas que nunca he visto antes... Estaba en una posición en que podía tomar las fotos. Me sentí en la obligación de hacerlo".
Robert Mapplethorpe

Nació en Nueva York, el 4 de noviembre de 1946. Fue un fotógrafo estadounidense, celebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos. El contenido sexual de algunos de sus trabajos, calificados de pornografía, generño mas de una polémica durante su carrera.
 "Nunca me gustó la fotografía", "No la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano".
Sus primeras polaroids consisten en autorretratos y la primera de una serie de retratos de su amiga, la cantante-artista-poeta Patti Smith. 
A mediados de la década de 1970, adquirió una cámara Hasselblad de formato medio y comenzó a tomar fotografías de un amplio circulo de amigos y conocidos, incluidos artistas, compositores, y gente de la alta sociedad, así como actores pornográfico y miembros de la comunidad sadomasoquista underground. Algunas de estas fotos fueron impactantes por su contenido, pero exquisitas en su dominio técnico.
También fue coleccionista de fotografías, así como de mobiliario, telas y otros objetos de arte, Solicitado como fotógrafo editorial, realizo retratos de famosos para revistas como Vogue y Vanity Fair.
En la década de 1980 se refina su estética, realizando fotografías de desnudos de aspecto escultural tanto de hombres como de mujeres, delicados bodegones de flores, y retratos de artistas y celebridades con una énfasis en la belleza formal clásica.

Robert Mapplethorpe- Ajitto, 1981 2.jpg

Robert Mapplethorpe- Calla Lily, 1984 2.png

Robert Mapplethorpe- Carlton, 1988  

Robert Mapplethorpe- Derrick Cross, 1983

Robert Mapplethorpe- Raymond, 1985

Robert Mapplethorpe- Thomas, 1985.jpg

Robert Mapplethorpe- Untitled, 1981


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Nan Goldin


La gente que aparece en mis fotos dice que estar con mi cámara es como estar conmigo. Es como si mi mano fuera una cámara. En la medida de lo posible, no quiero que haya ningún mecanismo entre el momento de fotografiar y yo. La cámara es parte de mi vida cotidiana, como hablar, comer o tener sexo. Para mí, el instante de fotografiar, en vez de crear distancia, es un momento de claridad y de conexión emocional. Existe la idea popular de que el fotógrafo es por naturaleza un voyeur, el último invitado a la fiesta. Pero yo no soy una colada; esta es mi fiesta. Esta es mi familia, mi historia.
Nan Goldin


Nació en 1953, en Washington D.C. Es una artista estadounidense, renovadoras de la fotografía documental y narradora de la escena contracultura de Nueva York de los años 70 y 80.
En Nueva York, la fotógrafa encuentra el gran tema de su obra: la narración de la vida sentimental y sexual de ese ambiente. Goldie, de hecho, se califica a sí misma como fotógrafa documentalista. Para emprender esa narración, Goldin trabaja con series de fotografías que cuentan desde adentro la vida de sus amigos, iniciación, plenitud y dependencia sexual, depresión pobreza, amor, soledad, violencia, enfermedad, para enfatizar el efecto narrativo, Goldin presenta esas imágenes en películas que muestran las fotografías sucesivamente. 

Brian on my bed with bars, NYC 1983 Cibachrome 30 x 40 inches; 76 x 102 cm

Cookie at Tin Pan Alley, NYC 1983 Cibachrome 30 x 40 inches; 76 x 102 cm

Gina at Bruce's dinner party, NYC 1991 Cibachrome 30 x 40 inches; 76 x 102 cm

Guido on the dock, Venice 1998 Cibachrome 30 x 40 inches; 76 x 102 cm

Joey at the Love Ball, NYC 1991 Cibachrome 40 x 60 inches; 102 x 152 cm

Nan one month after being battered 1984 Cibachrome 30 x 40 inches; 76 x 102 cm

The Hug, NYC 1980 Cibachrome 40 x 30 inches; 102 x 76 cm
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Sally Mann



“Las fotografías abren puertas al pasado, pero también permiten echar un vistazo al futuro”
Sally Mann


Nació el 1 de mayo de 1951, en Lexington (Virginia). Su trabajo ha llamado la atención no solamente por sus cualidades técnicas sino también por algunas controversias destacas por grupos radicales, al final de la década de 1990, de cristianos conservadores de su país los cuales protestaron contra la fotógrafa, David Hamilton y Jock Sturges acusándoles de crear pornografía.
Sally Mann tiene una concepción del arte que se manifiesta en sus abordajes a temas bastante emblemáticos para la sociedad en su momento. Logró mostrar obras de arte que hablar de las percepciones culturales sexuales de la actualidad y hasta de la muerte, Sally Mann quería con su arte, que la gente viera un mundo distinto. Ella siempre dijo inspirarse en "lo que había a su alrededor"  (su familia, hijos, etc) y luego en mostrar sus ideas mas profundas, pero nunca manifestó inspirarse en ningún otro referente artístico mas que sus propias vivencias, su papel como madre, y como mujer.

FAMILY PICTURES 








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Cindy Sherman



Yo no analizo lo que estoy haciendo. He leído interpretaciones convincentes de mi trabajo, ya veces me he dado cuenta de algo que yo no era consciente, pero creo que, en este punto, la gente leía en mi trabajo por costumbre. O yo estoy muy, muy inteligente.
Cindy Sherman

Nació el 19 de enero de 1954 en Nueva Jersey. Es una artista, fotógrafa y directora de cine estadounidense. Ha sido una de las fotógrafas mas respetadas del siglo XX. A pesar de que la mayoría de sus fotografías son imágenes de ellas, sin embargo, no son autorretratos. Sherman utiliza a si misma como un vehículo para una variedad de temas del mundo moderno: el papel de la mujer, el ale del artista y muchos más. A través de una serie de diferentes obras, Sherman ha planteado difíciles e importantes preguntas sobre el papel y la representación de las mujeres en la sociedad, los medios de comunicación y la naturaleza de la creación del arte. La colección de fotograbas de Sherman implica, de un modo bastante obvio, una redirección imaginaria de la mujer en una sociedad gobernada por hombres.
Una de las diferencias mas importantes entre Nan Goldin y Sherman radica en que la llamada autenticidad de Goldin es consecuencias de una realidad producida por su propio interés en el sexo, mientras que Sherman es una artistas cuyas recreaciones dan como resultado algo mucho mas creíble. El aura de fantasía de Sherman nos lleva de alguna manera a aceptar su contrario, es decir, aceptar que lo que vemos es real.

Untitled #66 1980

Untitled #71 1980

Untitled #76 1980  

Untitled #86 1981 
Untitled #92 1981  

Untitled #96 1981  
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Hiroshi Sugimoto


Nació en Japón en 1948. Es considerado un fotógrafo desde los 70's. Su trabajo esta relacionado con la historia, el tiempo, la existencia, el empirismo y la metafísica. Podemos destacar sus series "Dioramas" o "Seascapes", quizás las mas conocidas, junto a sus personales capturas de edificios y monumentos de sobra conocidos. Sugimoto se mueve entre lo conceptual y la experimentación. Como viajero inquieto ha retratado desde la naturaleza (su foto mas conocida fue por ser elegida para la portada del álbum del grupo U2), a salas de cine, retratos, moda, arquitectura, o formas conceptuales. Sin duda un artista que ha buscado la perfección técnica para plasmar y expresar su personal e influyente visión.

Hiroshi Sugitomo- Aegean Sea, Pillon, 1990 
Hiroshi Sugitomo- Cascade River, Lake Superior, 1995

Hiroshi Sugitomo- Aegean Sea, Pillon, 1990 
Hiroshi Sugitomo- Ligurian Sea, near Saviore, 1993


Hiroshi Sugitomo- Sea of Japan, 1999
Hiroshi Sugitomo- Untitled, 1991

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Andrés Serrano




Creo que si el Vaticano es inteligente, algún día van a recoger mi trabajo.
Andrés Serrano

Nació en Nueva York, el 15 de agosto de 1950. Es un fotógrafo estadounidense que se ha convertido en uno de los mas notorios a través de sus fotografías de cadáveres, ademas de su polémico "Piss Christ", una fotografía de un crucifijo sumergido en un vaso con la orina del propio artista. 
Ha tratado un vasto conjunto de temáticas incluyendo retratos de miembros del Ku Klux Klan, fotos de cadáveres, e imágenes de víctimas quemadas. 
Muchas de las fotografías de Serrano contienen fluidos corporales, tales como sangre (a veces del ciclo menstrual), semen o leche materna. El más famoso de ellos es Piss Christ (1987), un crucifijo de plástico inmerso en un vaso de orina. Esta fotografía causa una gran polémica la primera vez que fue expuesta, ademas fue denunciadas por dos senadores estadounidenses.

Piss Christ





The Morgue (AIDS Related Death)

The Morgue (Airplane Crash)

The Morgue (Blood Transfusion resulting in AIDS)



The Morgue (Fatal Meningitis I)

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Rineke Dijkstra


“Yo no necesito saber nada de las personas a las que fotografío, pero es importante que yo reconozca algo de mi misma en ellos.”
Rineke Dijkstra.
Nació en Sittard, Holanda en el año 1959. En 1991 realiza un autorretrato en una piscina. El estado emocional que la artista reflejó en esa obra le sirvió de orientación a la hora de enfocar su carrera creativa. Entre 1992 y 1996 lleva a cabo una serie de retratos realizados en las playas de Estados Unidos, Polonia, Inglaterra, Ucrania, y Croacia y por la cual consigue un reconocimiento por parte de la crítica internacional. 
Su obra supone una nueva representación del ser humano en sentido clásico, al realizar una distanciada y aparentemente objetiva interpretación de la imagen, Dijkstra es principalmente un retratista, que documenta en retratos radicalmente clásicos, con composiciones austeras y puntos de vista casi idénticos, momentos de tránsito, como pueden ser la adolescencia o la maternidad.














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